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La música pop
ha conocido en su historia tres olas y quizás hemos entrado en la
cuarta. El rock and roll nació en 1955 y se apagó como tal
en 1958. Cinco años mas tarde, la presencia de los Beatles desató
otras de las grandes olas que se extendió aproximadamente hasta el
68. La tercera de estas olas nació en 1975, con las primeras
grabaciones del sonido discoteca y falleció de agotamiento
en los 80.
¿Por qué se han
escogido estos movimientos como clave de cada una de las "olas" y
no otro cualquiera , como el soul, el jazz rock, el
blues británico o el reggae?. Existen tres razones:
1ª. Cada uno de ellos
ha significado la corriente predominante de toda una década: el
rock and roll en los cincuenta, el beat británico en
los sesenta y el disco sound en los setenta.
2ª. Han supuesto un
crecimiento gigantesco en la industria discográfica, batiendo
récords anteriores. Elvis presley pulverizó las marcas de ventas
de Frank Sinatra y Bing Crosby; los Beatles superaron las de Elvis
y el sonido disco se situó en unas cotas impensables unos
años antes.
3ª. Cada una de estas
tres olas ha impregnado profundamente toda la música posterior. El
acompañamiento del rock , las armonías de los Beatles con sus
acordes finales sorprendentes, que aparecen y reaparecen una y
otra vez en toda la música de los setenta; los hallazgos técnicos
y rítmicos del sonido disco marcan toda la música de los
ochenta
Pero como ocurre en
cualquier otra actividad, los períodos entre dos olas no son
tiempos muertos sino todo lo contrario. Seguramente nunca se
hicieron tantas y tan buenas canciones como en la etapa 1958-62
(la high school), en que se había apagado el rock and
roll y aún no habían surgido los Beatles. El interregno entre
éstos y el sonido disco es enormemente productivo: jazz
rock, salsa, blues británico, sonido Filadelfia, heavy metal
rock...todo un mundo de experiencias que nunca caen el vacío.
Por otro lado en la década de los 80 se vuelve la vista atrás otra
vez con ciertas adaptaciones como el rock autóctono, el reggae,
el punk o la new wave y se introduce una enorme
renovación en cuanto a la instrumentación con la adaptación de la
cibernética, así los instrumentos electrónicos van desplazando
unas veces y conviviendo otras con los instrumentos tradicionales.
High school
En el plazo de un año,
1958, Elvis presley se marcha al servicio militar, Chuck Berry
ingresa en prisión, Little Richard se convierte en predicador,
Buddy Holly se mataba en un accidente aéreo y Jerry Lee Lewis
sucumbe al escándalo de una boda "maldita" con una belleza sureña
de trece años.
Puestas así las cosas,
los editores de las casas discográficas se pusieron a buscar
nuevos ídolos capaces de cubrir el hueco dejado por tal cúmulo de
coincidencias, surgiendo así una generación de ídolos juveniles,
en edad escolar, muy bien reflejada en "American graffitti" o "Grease",
son los teen idols o high school.
Las dos figuras que
polarizan la atención del momento son Paul Anka, un
canadiense de origen turco, que triunfó con "Diana" y Neil
Sedaka con "Oh Carol"
Folk. Canción
protesta
La historia de la
música pop sería incomprensible sin conocer las
interacciones que se fueron produciendo entre el ritmo rock y las
músicas que con él convivían. Y a principios de los 60 surgió el
folk, una corriente musical que tenía menos que ver con las
nuevas experiencias de la juventud americana que con las viejas
tradiciones.
Sus antecedentes se
sitúan en los años 30 y en un lobo solitario que fue Woody
Guthrie, a su lado creció y aprendió Peter Seeger,
que consiguió hacer popular la música folk en los circuitos
comerciales, la suya fue una batalla política y musical
Cuando en 1959 los
organizadores del prestigioso festival de jazz de Newport
decidieron abrir una sección dedicada al folk, no sabían
que estaban colaborando a crear una de las grandes fuerzas
sociales de los 60: la de la canción protesta, las grandes
sentadas pacifistas, la quema de las cartillas de militarización.
Aquel 1959 salía consagrada de Newport una universitaria de origen
mejicano llamada Joan Báez, pacifista acérrima y poseedora de una
bellísima voz de soprano.
Cada cual se lanzó a
la aventura de denunciar la injusticia con canciones, con ello
nació el término de "canción protesta", rápidamente desvirtuado
por manejos comerciales
En España surgieron
movimientos similares como la nova cançó catalana, con nombres
como Raimon, Serrat, Pi de la Serna, entre otros y en
Madrid Hilario Camacho, Elisa Serna...También cabe
mencionar a Mª del Mar Bonet, Pau Riba o Paco Ibáñez.
Uno de los músicos más
geniales del momento fue Robert Zimmerman, más conocido como
Bob Dylan, judío de origen nace en 1941 cerca de la frontera
canadiense, su nombre parece que lo tomó por admiración hacia el
poeta Dylan Thomas, aunque él lo negase más tarde. Su biografía
está llena de exageraciones. Fue un gran admirador de Woody
Guthrie. Su estrella comienza a brillar en los conciertos que se
organizan en Washington Square, núcleo del Greenwich Village
neoyorquino, verdaderos "happening", que en un momento llegaron a
ser prohibidos por las autoridades por la repercusión entre el
público de esta forma libre de expresarse. Alcanza la fama
definitiva con "Blowin in the wind" y desde entonces cada uno de
sus álbumes es un aldabonazo en la conciencia colectiva del mundo.
Segunda
ola de la música pop. Los Beatles y la invasión británica.
En 1962 aparece en
Liverpool un grupo formado por dos guitarras, un bajo y una
batería, son los Beatles, que suponen una verdadera
revolución dentro del panorama musical: ante todo constituyen una
síntesis entre el ritmo del primer rock y la tradición coral
inglesa. En 1962 lanzan su primer disco "Love me do" y durante
siete años fueron la primera fuente de exportación británica. En
1964 llegan a Estados Unidos y consiguen marcas imposibles de
superar, como el hecho de colocar simultáneamente cinco canciones
en los cinco primeros puestos de las listas de discos pequeños y
dos álbumes en los de las listas de LP's.
Su influencia fue
enorme en todo el mundo y sus canciones fueron traducidas a todos
los idiomas, en España lo hicieron los Mustang y su réplica
fueron los Brincos.
Pero lo más
importante del grupo británico no fueron sus récords, sino su
capacidad para evolucionar por delante de sus competidores.
Empezaron con la psicodelia, iniciaron la penetración de
instrumentos y ritmos hindúes, utilizaron grandes orquestas en sus
discos, fueron precursores del rock sinfónico, devolvieron al
público el gusto por el rock, hicieron letras sociales...y para
ello se basaron en su innegable talento, en las armonías de gente
como Everly Brothers o Buddy Holly y en los ritmos de grupos como
Marvelettes o Shirelles, muchas veces despreciadas en su propio
país.
La invasión
británica
Junto a los Beatles
surgieron en Gran Bretaña otros grupos que, entre los años 1964-65
invadieron literalmente el mundo de la música pop, fueron the
Animals y los Rolling Stone, estos últimos
representaron la cara agresiva del pop inglés, que entroncaba
directamente con el rhytm and blues y contrastaba en cierta medida
con la imagen educada y asimilada de los Beatles.
La lista de grupos
nacida en la estela de este trío resultaría interminable, pero
entre ellos algunos nombres resultan valiosos como demostró
después su propia evolución, así los Moody Blues, que
desembocarían un par de años más tarde en el rock sinfónico,
los Bee Gees, puntales luego del sonido disco o
los Who, autores de óperas rock como "Tommy" o "Quadrophenia".
En España destacaron
los Bravos, que consiguieron imponerse en el mercado inglés
gracias a su cantante de origen alemán Mike Kennedy, su carrera
fue breve pero sirvió para demostrar la internacionalidad de la
música pop.
La
reacción americana
Ante la avalancha de
grupos y cantantes ingleses los músicos americanos contraatacarían
en tres frentes simultáneos: la música chicle, el soul y el folk-rock
junto al movimiento hippie.
La música chicle
no era más que la prolongación de aquellas canciones de la high
school, sencillitas y comerciales pero efectivas. Algo
parecido a lo que en España se conocía como canción veraniega. Son
grupos de este momento los Monkees o los Archies,
cuyas canciones como "Sugar, sugar" quedaron para siempre en la
cumbre de los éxitos.
El soul music
viene a identificar la música negra cantada con "alma" y supuso su
entrada en los circuitos comerciales así como su aceptación por el
público blanco. No se trata de un movimiento unificado pues
partió de dos puntos de características muy distintas, así el
soul de Memphis venía del sureño estado de Tennesse y el de
Detroit nacía en el norte industrial y tenía connotaciones más
urbanas.
En Detroit nace la
primera productora de discos montada por gente de color, la Tamla
Motown y lanzó a figuras como Las Supremes de Diana Ross,
Marvin Gaye y un niño prodigio llamado Stevie Wonder,
que con el paso de los años se convertiría en el más importante
músico de color de toda la historia pop. Un ritmo suave y melodías
apoyadas en los contrapuntos que destacaban los coros de la casa
daban una sensación de elegancia característica del soul de
Detroit..
Por su parte el
soul de Menphis dependió de un hombre que lo hizo
absolutamente todo;: Otis Redding, escribió sus propios
éxitos y los de figuras como Aretha Franklin, Wilson
Pickett y otros. El estilo de Menphis es el sentimiento por
encima de todo tomado de la música espiritual negra y de los riffs
(serie de notas breves y de mucha fuerza repetidas como contraste
de la melodía principal) de metal tomados del jazz de Count
basie.
Otras figuras que
continuaron el estilo de Otis Redding, muerto en accidente de
avión, fueron Isaac Hayes, padre de soul sinfónico
que desembocó en el sonido Filadelfia y Barry White.
Hubo otros grandes
nombres que no se encuadraron en ninguno de estos movimientos
organizados: Ray Charles "El Genio", James Brown,
Ike y Tina Turner...
Folk rock
En 1965 un
grupo neoyorkino, los Byrds, tuvo la idea de dar un poco
más de ritmo a una canción de Bob Dylan "The tambourine man", unos
meses más tarde el mismo Dylan enarbolaba una guitarra eléctrica.
El folk-rock estaba lanzado y todo el mundo empezó a poner
en ritmo rápido las baladas lentas o las canciones de los
folksingers.
Pero aquello fue sólo
el principio, del folk-rock se pasaría al country -rock
y más tarde al country -pop, facetas todas ellas del
encuentro de la guitarra eléctrica con las baladas de los
folkloristas.
Dentro de este
movimiento se configura la carrera de Simon y Garfunkel,
que saltan a la fama tras el éxito de su tema "The sound of
silence".
Por otro lado
Crosby, Still & Nash, con el posterior añadido de Neil
Young fueron el gran grupo de country- rock y los
creadores de una nueva forma de expresión.
Ya en 1972 el grupo
Eagles fue el mejor defensor del country- pop,
un estilo que perdura a pesar de no ser una música predominante en
ningún período.
Hippies
A mediados de los
sesenta las juventud del mundo empezó a fumar "marihuana" como un
símbolo más de rebeldía junto al rock and roll y los pelos
largos, pero llegó la química y todo el mundo se puso a hablar del
ácido lisérgico, o más exactamente de sus iniciales, L.S.D. Y así
nació la psicodelia, palabra que venía a definir el estado de
percepción sensorial expansiva en el que el ácido sumía a sus
fieles.
Simultáneamente y como
rechazo a un mundo cada vez más agresivo surgen en San Francisco
los hippies, son los hijos de las flores, pacifistas a ultranza,
discípulos de la teoría de la no violencia de Gandhi, se pintan la
cara y se llenan el pelo de flores. Cantantes surgidos en esta
vertiente naturalista son Mama's and the Papa's o
Melanie con su "Beautiful people".
Por otro lado y
también desde California surgen grupos de rock más duro,
partidarios de una música fuerte; los adelantados de este
rock ácido (por influencia del L.S.D., de ahí su nombre)
fueron Jefferson Airplane y Grateful Dead.
El
blues blanco
Los nombres más
relevantes de esta corriente que ven en el blues la
salvación de la música pop, que estaba cada vez más adocenada por
la búsqueda del éxito en las listas fueron John Mayall,
británico, el "padre del blues blanco", Janis Joplin,
tejana, de una voz desgarrada y potente, que murió prematuramente
por sobredosis y Jimi Hendrix, que convirtió la guitarra
eléctrica en un instrumento distinto, de una expresividad inédita
Este movimiento supone
un regreso a las raíces del Rtym and blues, con grandes
instrumentistas y capacidad de improvisación. También cabe
destacar a The Cream, con Eric Clapton ("mano
lenta", por la facilidad con que tocaba los rifss y solos más
enrevesados).
Rock
sinfónico
En 1967 los Beatles
incorporaron una gran banda para su álbum "Sgt. Pepers" y su
canción "All you need is love", poco antes ya habían utilizado una
sección de cuerda en su "Eleanor Rigby". Las orquestas
convencionales que parecían superadas y despreciadas por el buen
rock empiezan a encontrar su sitio en la nueva música
joven.
También en 1967 debuta
el grupo Pink Floyd un año más tarde el grupo Yes,
pero el gran aldabonazo lo da Moody Blues, que en unión de
la London Festival Orchestra edita un álbum titulado "Days of
future passed", consiste en una serie de canciones enlazadas
temáticamente (incluida sus "Noches de blanco satén") a la manera
de una suite clásica. Este álbum supuso una declaración de
intenciones de la nueva corriente musical que pronto se conocería
como rock sinfónico
Génesis, Mike
Oldfield y Jean- Michel Jarre también se acogieron a
este nuevo estilo que pronto se liberó de la servidumbre de la
orquesta gracias a los hallazgos técnicos, así con sintetizadores
se podía reproducir cualquier sonido, secciones de cuerda o metal,
grandes corales e incluso orquestas enteras.
Transición entre
dos décadas
A finales de los
sesenta estaba claro que la segunda ola de la música pop
había pasado. La primera la había creado la explosión universal
del rock and roll y duró de 1955 a 1958. La segunda tenía
protagonistas más concretos, los Beatles y se extendió de 1963 a
1968. En años sucesivos se escucha a Jimi Hendrix, el blues
británico de Cream, un rock tecnificado y a una serie de grupos
norteamericanos e ingleses que aportaban nuevas ideas para salir
del atolladero en que se encontraba metida la industria
discográfica, así se producirá la eclosión de los cantautores
y todo un ramillete de nuevas tendencias: rock duro, jazz- rock,
salsa, el glamour-rock, etc...
Uno de los nuevos
caminos que aparecen a finales de los sesenta es el rock
sureño que recibe su nombre de su lugar de nacimiento, el
sur de Estado Unidos y tiene cierta influencia del country, sus
más genuinos representantes fueron la Allman Brothers Band
y los Creedence Clearwater Revival.
Fuera de estos estilos
surgieron figuras únicas e irrepetibles como fue Jim Morrison al
frente de The Doors, rockero rebelde y enfrentado a su entorno y
Fran Zappa con sus canciones que eran demoledoras críticas de la
sociedad en que había nacido. En Nueva York nacía un movimiento
denominado "Underground", que desarrolló un rock intelectualizado
y crítico.
Cantautores
Dentro de la
desorientación generalizada que significó el fin del imperio
beatle, muchos de los autores que hasta ahora habían compuesto
para voces ajenas tienen su gran oportunidad como intérpretes, es
el caso de Carole King, James Taylor o Paul Simon,
tras su separación en 1970 de Arthur Garfunkel, despedida que tuvo
como colofón el álbum "Puente sobre aguas turbulentas", uno de los
más logrados de todo el pop de la época.
Es una época de
canciones intimistas, desprovistas de adornos, que buscan textos y
melodías con algo que decir.
En Inglaterra aparece
Elthon John y en España los primeros setenta vieron nacer
la fama de hombre como Joan Manuel Serrat, que se decidió a
grabar en castellano en lugar de limitarse, como muchos de sus
compañeros de la "nova cançó", al uso del catalán. En Madrid
Patxi Andión, Víctor Manuel y Luis Eduardo Aute
Pusieron la canción de autor en un nivel muy alto. La más
prometedora figura femenina fue Cecilia pese a su temprana
muerte.
Jazz-rock
Esta corriente supone
una amalgama de varios estilos: rock, con sus
instrumentos habituales, guitarras, teclados y percusión, soul
de Menphis con una fuerte sección de metal (empleada por Otis
Reding) y rock sinfónico, del que integra la sección de
cuerda.
Los dos grupos más
representativos son Blood, Sweat & Tears y Chicago.
Aunque aparecieron muchos imitadores el mantenimiento de grupos de
este calibre era caro y pocos lograron proseguir por este camino.
Pero el hallazgo de esta interacción de influencias seguiría
presente en la música pop y muchos de los efectos que luego
potenciaría el sonido disco tuvieron su origen en el
jazz-rock.
Salsa-rock
El sonido de la salsa
era ya una realidad en la zona neoyorquina, gracias a su enorme
población de portorriqueña, una casa de discos, la Fania Records,
había llevado hasta Nueva York a las grandes figuras: Johnny
Pacheco , Eddi Palmieri, Celia Cruz..
.Con Carlos Santana
esta salsa toma carta de naturaleza en la música pop y
añade elementos rockeros que la salsa de los músico de Fania
desconocían.. Santana era un chicano de California que había
tocado la guitarra con muchas figuras y que por fin se decidió a
poner sus ideas en disco; mezclando elementos percusivos
africanos, melódicos latinos y estructurales del rock
anglosajón creó una música nueva que en los Estados Unidos tenía
precedentes en el "sonido Tijuana" de Herb Alpert y de Sergio
Mendes, que utilizaba la música brasileña.
Los grandes
festivales: de Woodstock a Wight
La palabra Wight evoca
una época en que se podían reunir cientos de miles de personas con
un objetivo común, que no era deportivo: escuchar música. Wight,
una isla en el sur de Inglaterra, Monterey y Altamont en
California y Woodstock en Nueva York, son puntos clave para
entender una época de la Música juvenil. Una época que tenía dos
palabras clave como contraseña para la reunión: paz y amor.
El primero de estos
grandes festivales se celebró en 1967 en Monterey, fue una ocasión
única para reunir a nuevos y a consagrados y para dar el
espaldarazo definitivo al soul .
El 21 de agosto del
69, en las praderas de Woodstck, al Norte del estado de Nueva York,
se produce un festival de tres días de duración que convoca a
cerca de medio millón de jóvenes. Fue seguramente el último
festival de paz y amor porque meses más tarde, el festival de
Wight, que había cobrado gran espectación por la reaparición de
Bob Dylan, termina con un desastre de organización. Que impide
futuros conciertos.
Y en Altamont, el 6 de
diciembre de ese mismo 1969, durante la actuación de los Rolling
Stones ante más de cuatrocientas mil personas un hobre de color
apunta a Mick Jagger con un revólver y es apuñalado y muerto por
uno de los "hell angels" encargado de la seguridad del recinto.
Tanto el festival de
Woodstock como el de Altamont conocieron secuelas comerciales en
forma de disco y película.
A la vez empezaban las
"giras monstruo" o los grandes recitales con una sola figura y más
de cien mil espectadores. Uno de los grandes hitos de la historia
de las actuaciones públicas, por la buena música y por el gran
número de figuras que le acompañaron, fue la gira de Joe Cocker.
Heavy rock
Con el nombre de
hard rock, heavy rock o heavy metal han bautizado los
comentaristas de discos un fenómeno de potenciación de la parte
más salvaje del rock que se ha ido produciendo con cierta
periodicidad en la música pop. El grupo Led Zeppelin
encontró la fórmula: guitarras asesinas y una voz chillona, aguda
y cortante que parecía perforar los tímpanos. Y todo ello a la
máxima potencia que pudieran conseguir los amplificadores.
Unos veteranos como
eran los Who se convierten de la noche a la mañana en el
más excitante plato de los festivales multitudinarios. Había que
chillar mucho y tocar muy fuerte para convencer a los últimos de
esos cuatrocientos mil espectadores, sentados probablemente a
medio kilómetro del escenario y ligeramente "colocados" por efecto
del porro.
Deep Perple, que se
había permitido algunas veleidades con orquestas sinfónicas,
renegó de tamaño invento y volvió a dar duro a los parches.
Como precursores de
este estilo que era un regreso a los más bajos instintos del rock
primitivo figuran Vainilla Fudge, Iron Butterfly, y
en cierto modo The Doors.
Johnny Winter,
un guitarrista albino de Texas y su hermano Edgar entraron de
lleno en este apartado, por más que ellos llegaran a pensar en
algún momento que lo suyo era el blues blanco. Pero quienes
mejor explotaron este sonido descaradamente salvaje en los Estados
Unidos fueron Grand Funk Railnoad y Three Dog Night,
a los que se sumó, con algunos elementos de brujería exotérica
Black Sabbath.
La lista de
practicantes de este género musical no ha terminado todavía, en
los años ochenta, coincidiendo con una nueva crisis de ideas ha
vuelto con grupos como AC DC.
Glamour rock
En los primeros
setenta muchos creyeron ver una salida a la crisis en que vivía
la música pop con este movimiento que explotaba reales o
supuestas homosexualidades como un mérito musical más y cuyos
elementos habituales eran la purpurina brillante, el maquillaje
sofisticado y un vestuario elegantemente decadente.
Al amparo de esta moda
convivieron talentos genuinos con oportunistas, creadores de
grandes canciones con vulgares rockeros, simplemente guapos con
francamente listos
El líder de este
ambiguo estilo musical que se dio en llamar gay power o
glamour rock fue David Bowie, que ya en los sesenta
había dado medida sobrada de su talento. Otras figuras fueron
Alice Cooper, que supo explotar al máximo todo el erotismo del
glamour rock y cuyos espectáculo incluían escenas de gran
tensión, el grupo Roxy Music y Amanda Lee, una digna
competidora en un terreno que parecí vedado a las mujeres.
En los ochenta
surgiría una nueva pléyade de elegantes, los "nuevos románticos"
que seguirán al pie de la letra las premisas señaladas por David
Bowie diez años atrás.
Sonido
Filadelfia
A principios de los
setenta se empieza a gestar el sonido Filadelfia, que no es
sino un paso adelante en los presupuestos que el soul ya
había expuesto.
Por primera vez el
papel protagonista de la orquesta pertenece a la sección de ritmo,
mientras que la cuerda y el metal disminuyen su sonido para servir
de auténtico fondo en lugar de adoptar papeles principales.
Dos compositores y
productores, Kenny Gamgle y Leon Huff, fundan su propia editora
discográfica con sede en Filadelfia: la PIR. Y empiezan a lanzar
artistas, como Billy Paul y canciones con una aceptación
que hace adivinar ya la necesidad de hacer una música
específicamente bailable. Con el ritmo marcado por los músicos de
Filadelfia empezaba a perfilarse lo que meses más tarde sería el
sonido discoteca.
Prácticamente a la
vez, desde Miami, se empezaba a "fabricar" una música de baile
que también estaba muy próxima a las coordenadas en que luego se
movería la música disco. Otros antecedentes serían la
canción "Rock my baby" de George Mc Rae y el ritmo "The
hustle" de Van Mc Coy. Por otro lado Barry White,
con su Love Unlimited Orchestra, supo aprovechar lo que los
talentos de la música soul habían creado y consiguió un
"sonido" acaramelado que era una adaptación suavizada del soul
sinfónico de Issaac Hayes.
Todos los caminos
llevan la misma dirección, pues a los guateques de antaño, que
hicieron realmente grande la música de del high school, de
los Beatles y compañía, han sucedido las visitas a las
discotecas, puntos de encuentro de la gente joven, que no tiene
posibilidad de bailar en casa ritmos tan movidos y ruidosos. Está
empezando a formarse la tercera ola de la música pop.
La tercera ola
de la música pop: el sonido disco
El año 1975, dos
productores y dos cantantes, Gloria Gaynor, con su "Never
can say Goodbye" y Donna Summer, con "Love to love you baby"
pusieron las bases del disco sound o sonido discoteca.
El mundo empezó a convulsionarse, las discotecas se llenaban de
estos sonidos exactos y monótonos, que algunos denominaron de
"peñón fijo" pero que resultaban imprescindibles para la finalidad
con que habían sido concebidos, bailar en las discotecas.
El fenómeno se
extendía con rapidez pero la explosión llegó con el estreno de una
película, "Fiebre del sábado noche", la idea surgió de un
brillante periodista, Nick Cohn, que escribió un artículo sobre
"los nuevos ritos tribales del sábado noche", la visita a la
discoteca . Con los bailes de John Travolta, la música de Bee
Gees y media docena de intérpretes y la narración de Nick Cohn
nació la película destinada a batir todos los récords
cinematográficos y musicales. De su banda sonora se vendieron
veinticinco millones de discos dobles, el récord anterior lo tenía
"My fair Lady" con seis millones.
Tras la onda expansiva
de la "fiebre" saltaron todos los intérpretes del mundo, desde el
británico Rod Stewart, a los Beach Boys, Earth,
Wind & Fire, Boney M., Elton John (!)...y un millón de
nombres más.
La tercera ola de la
música pop había hecho saltar hasta límites insospechados
las cotas de ventas y bastaba con dar un fondo discotequero a
cualquier canción, nueva o vieja y poner una etiqueta para vender
el producto.
Reggae.
Basándose en ritmos
propios, como el ska o el mento, los jamaicanos
fueron tiñendo el rock que les llegaba desde los Estados Unidos y
el producto final de este trabajo de adaptación se llamó reggae.
Ya en los años cincuenta, y de la mano de Belafonte, un ritmo
caribeño, el calypso, había llevado cierta cadencia lenta
al pop anglosajón.
Boob Marley fue
la gran figura que el reggae jamaicano precisaba para
convertirse en exportable, poco a poco su música fue siendo
descubierta por otros cantantes, Eric Clapton, Joan Báez, Bob
Dylan... Era el ritmo de moda y la única esperanza que se
adivinaba para cuando declinara el sonido discoteca.
Además de estar en los
discos de cantantes de todos los estilos, el reggae abrió
los ojos a artistas de otras latitudes para iniciar experiencias
similares con sus músicas folklóricas. En España se habló mucho
del rock madrileño, del rock catalán y sobre todo
del rock andaluz, producto de una generación que tenía un
pie en la copla local y otro en el rock universal como Triana.
En otras zonas como Galicia o el País vasco se está haciendo
música juvenil sin perder de vista los ritmos propios, las
melodías tradicionales, los signos de identidad locales capaces de
enriquecer el pop.
Punk
A mediados de los años
setenta se utilizó este término para designar a una serie de
rockeros poderosos y excitantes que no cabían en ninguna otra
definición. ¿Dónde colocar si no a Bruce Springteen o a
Pat Smith?.
Pero el término
punk llegaría a hacerse realmente popular en su aplicación
londinense: Eddie and the Hot Rods y sobre todo Sex
Pistols lo sacaron a la luz, el momento fue una entrevista
televisiva en la que Johnny Rotten, el líder de los Sex Pistols,
dijo más inconveniencias de las admisibles. La imagen punk
de este grupo respondía al talante de inadaptados de sus miembros.
Al amparo del éxito de
los Sex Pistols, conseguido a raíz de su versión iconoclasta de
"Dios salve a la reina", los grupos punk se multiplicaron y
llegaron a afectar otros aspectos de la sociedad, sobre todo la
moda y el peinado: ropa de cuero, pelos cortísimos teñidos de
verde o rojo.
En España el mejor
representante de este estilo sería un muchacho de Vallecas, José
Ramón Martínez, Ramoncín, que se pintó un rombo en el ojo y
se llenó de imperdibles (otro símbolo punk), sus canciones
expresaban toda esa mezcla de agresividad y frustración que se
vive en zonas similares. Como en el caso de los ingleses despertó
más interés entre los sociólogos y comentaristas de la actualidad
que entre el público.
New wave
El fenómeno punk,
como tantos otros que ha dado la música pop, fue sólo una
nube de verano y la mayor parte de quienes se habían apuntado a
esta "denominación de origen" siguieron evolucionando hasta
aterrizar en lo que luego se dio en llamar new wave o
nueva ola.
En definitiva este
término viene a ser un cajón de sastre que incluiría a gente como
Blondie, que volvió a las canciones de los sesenta, otros
como Police mezclaron rock y ska a partes
iguales. Pretenders, Ian Dury & The Blockeads,
Alaska y los Pegamoides... fueron parte de un movimiento poco
coherente al término del cual no quedaron más que canciones
parecidas a las de los Beatles, de quince años atrás,
Los nuevos
románticos
En los primeros
ochenta la crisis de ideas se agudiza, se exprimen las líneas ya
desarrolladas anteriormente. Las reediciones de viejos cantantes y
canciones se multiplican Los grupos de new wave con físico
agraciado van a resucitar el fenómeno del glamour rock,
aunque ahora les llamen nuevos románticos y sus nombres
sean Adam and the Ants, Spandau Ballet, Visage,
Duran Duran. En general basan su éxito en su aspecto
personal pero musicalmente no son más que una anécdota comercial.
Tecnho- pop
Esta es la época de la
cibernética, los instrumentos electrónicos van desplazando a los
instrumentos tradicionales de la música rock. Se hace ritmo
con una caja programable, se repiten frecuencias de notas a la
velocidad que el técnico requiera, se sustituyen músicos por
máquinas. Y con ello se hace música, unas veces bailable que sigue
sirviendo para las discotecas, otras simplemente mecánica y se
llama techno- pop y otras, las menos, alguien logra
insuflar un soplo de vida a los electrones y surgen prodigios de
equilibrio como "Johnny & Mary" de Robert Palmer, uno de
los escasos intérpretes que ha logrado dar sensibilidad a esos
fondos mecánicos del techno-pop, pero a las vez parece
buscar, en su atuendo y apariencia física, algún contacto con los
practicantes del nuevo romanticismo.
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